Como atrapar el tiempo

Como atrapar el tiempo

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El culto de la lentitud en la civilización del apuro – SLOWLIVING

La concepción del tiempo no ha sido igual en todas las épocas, antiguamente data una idea cíclica acorde con la naturaleza donde todo se repite regularmente (estaciones del año, las mareas, nacimientos y muertes). Los africanos nuer por ej. carecen de la palabra tiempo en su vocabulario, y algunas tribus aborígenes australianas solo tienen dos conceptos “ahora” y “no ahora”.
El lema de la sociedad actual es agotador ¡Rápido ¡Rápido ¡Rápido!
El progreso está ligado a la velocidad, lo que causa desasosiego interior, irritabilidad, ansiedad, insomnio; estrés. La computadora trabaja a más velocidad de lo que el humano puede pensar, lo que crea un sentimiento de premura y competencia continúa con la máquina que produce una aceleración del trabajo.
Debemos recuperar el placer y pensar en la terapia de la lentitud.
Explorar y reconectarnos con nuestros sentidos, vivir experiencias con alma.
«Vísteme despacio, que tengo prisa» reza un refrán español cuya traducción literal es: «Apresúrate despacio”; frase que se le atribuye al emperador romano «Octavio Augusto; también la uso Napoleón; pero su equivalente tiene que ver con la tendencia que surge en 1998 en Europa llamada “Slow Life Movement”. Plantea desacelerar la velocidad con la que las grandes ciudades atropellan la salud física, mental y espiritual de sus habitantes.
El estilo de vida que propone no fomenta la pasividad, sino por el contrario, la idea es manejar nuestra energía vital con el fin de tener una mejor calidad de vida.
Actualmente existen ciudades declaradas Slow Cities en muchos países del mundo que cumplen con las pautas que se exigen para ser nombradas como tal, normas que abarcan los planos legislativo medioambiental, infraestructura política, calidad urbana, productos locales con el objetivo de construir un espacio más humano. Los seguidores de este movimiento no son un grupo New Age que quiere desconectarse de la tecnología y vivir en las montañas alimentándose de lo que la tierra y la naturaleza les brinda (una opción muy válida igualmente para muchos). Lo que proponen es desacelerar el ritmo vertiginoso de nuestra existencia para poder disfrutar de la vida. No pretende obviar los beneficios del mundo actual sino por el contrario encontrar en las nuevas tecnologías un aliado de sus objetivos (lograr productos agrícolas de mejor calidad, utilizar formas de energías renovables y ambientes menos contaminados).
Un enfoque rápido tiende a ser superficial, pero al disminuir la velocidad nos podemos involucrar más profundamente con lo que estamos haciendo, afrontando nuestro interior; la velocidad se convierte en una forma de negación, para huir de los problemas más enredados. En lugar de centrarnos en preguntas como quién soy yo y cuál es mi papel aquí, todo es una lista superficial de tareas pendientes. La vida lenta no se trata de perder el tiempo yendo despacio sino de ganarlo haciendo lo que realmente es importante para cada uno.

La vida lenta es simple, elimina lo no esencial para liberar tiempo y ser más.

10 Tips para una vida slow
1 – Dormir las horas necesarias para reponerse mental y físicamente.
2 – Disminuir el tiempo frente a las pantallas y tratar de usar la tecnología solamente cuando nos facilite ciertas cosas.
3 – Cuando prepare una comida concentrarse en esa tarea sin hablar por teléfono o mirar T.V.
4 – Disfrutar de la conversación en salidas o encuentros con amigos.
5 – Practicar una actividad que desacelere y desconecte de la rutina diaria (pintar, escribir, meditación, yoga, caminar en un parque o playa).
6 – Planificar el día, meditar las prioridades de la agenda. Decir no a lo que no es esencial. Se puede dejar para mañana lo que realmente no puede hacerse hoy.
7 – Tener una dieta saludable, frutas y verduras con bajo contenido graso, comer despacio.
8 – Cuidar las relaciones dedicando tiempo suficiente.
9 – Realizar actividad física.
10 – Pasar tiempo en soledad.

La vida lenta es simple, elimina lo no esencial para liberar tiempo y ser más.

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Caminos para sanar
“Permitete, aprende y conectate con tu energia a traves de terapias alternativas»

Verónica Velázquez (44) profesora de pilates y terapeuta, comenzó hace 15 años a investigar la sanación, primero con ella misma; luego desde el despertar estudia y se forma para ayudar como guía en transformación y expansión de la conciencia a conectar con terapias alternativas.
Hace 12 años trabaja con pacientes de diferentes edades y problemáticas que deciden acompañar la medicina tradicional con la alternativa, transitando un camino como individuos con causas de salud, lograron encontrar una recuperación y pudieron equilibrar sus emociones y conectar con una paz de sus vidas a través de métodos de sanación alternativos.
Las emociones no digeridas ocasionan en el cuerpo físico y mental muchos desosiego y malos pensamientos provocando así dolores, enojos, malestares, angustia y el ruido mental de la vida actual (responsabilidades, obligaciones, trabajo, familia) no da espacio ni tiempo para escuchar nuestro ser interior.
Verónica ayuda a quien quiere un STOP PARE AQUÍ Y AHORA!! Combina medicina preventiva, enseña cómo poder escucharnos y comenzar una revolución silenciosa pero poderosa, invitándonos a descubrir nuestro potencial latente.

¿COMO PARAR?
MEDITACION: Respirar, alejarse del ruido, salir de la situación por unas horas, respirar más profundo, conectar con los sentidos y sentimientos, no enojarse, agradecer el momento, permitir el silencio.

ESCUCHA Y SILENCIA TU MENTE.
REIKI: PERMITETE conectar con tu energía, sanar, equilibrar tu cuerpo físico mental y espiritual
CONSTELACIONES: COMPRENDE Y ACEPTA investiga el árbol genealógico, sana tus ancestros, corta lazos energéticos y conecta a fondo con emociones y comportamientos negativos que están en nuestro inconsciente, no sabiendo muchas veces resolverlos ni entendiendo porque están y se repiten.
Verónica conecta el presente para ayudar a transitar desde el amor y paz un futuro, nos insta a explorar más allá de los limites, descubriendo nuestro inmenso poder interior y abrazando una nueva visión holística de salud y bienestar como camino hacia la sanación y transformación.

Espacios verdes con propósitos

Espacios verdes con propósitos

La revolución de AProcreate en el diseño

Diseño, Sustentabilidad y Tecnología

Ucraniana en Uruguay
Anastasia nació en Ucrania, y hace once años que vive en Uruguay. Es Licenciada en Marketing, políglota (habla 5 idiomas), inquieta y en constante búsqueda de superación personal. El dibujo y la naturaleza son sus dos grandes pasiones, y encontró una combinación perfecta para articularlos a través de su profesión: el Diseño,particularmente paisajismo.
Formada en varias escuelas, y junto con algunos colegas, en la firme exploración de facilitar funciones para la delineación del design, surge la necesidad de buscar una manera más fluida para mejorar y optimizar los gráficos, bosquejos y croquis, tiene la iniciativa de formar AProcreate, una escuela de representación visual para diseñadores.

Atención Arquitectos, Dibujantes, Creadores de espacios, Paisajistas
Desde principiantes hasta profesionales podrán aprender, cada uno a su ritmo, y transformar cualquier espacio en una obra maestra verde, fachadas, decoración, interiorismo, construcción o design developement.

Trendy topic en desarrollo y presentación de proyectos.
El método es una app de dibujo en IPad, que propone potenciar habilidades relacionadas con el diseño, la creatividad y la proyección, con herramientas y funciones para trabajar de manera rápida y eficiente con ilustraciones, imágenes y elementos para ilustradores.
Descubrirán métodos, secretos y consejos para lograr obras, mobiliarios, jardines soñados o paisajes impresionantes. Estas técnicas amigables y de avanzada se pueden aplicar in situ, lo que facilita la dinámica de trabajo, proporcionando seguridad y rapidez para realizar bocetos y cambios inmediatos personalizados, estando en la obra, en la oficina o en reunión con el cliente. Facilita la comunicación y la flexibilidad al permitir un trazo perfecto, personalizar el croquis y corregir en modo vivo y al instante.
Se aprende a procesar imágenes descargadas y dibujos manuales, diseñar proyectos 3D en bocetos y técnicas conceptuales, trabajar con gráficos 2 D, técnicas de collage.
La escuela se basa en desarrollar y expandir a los interesados en el rubro, técnicas actuales y novedosas, fáciles de aplicar, valorables y efectivas siendo positivas en todo sentido para el desarrollador de proyectos.
Anastasia también da clases en la escuela Pampa Infinita, Argentina. En Paysandú colaboró con el equipo de Federico Percibal que realizó la reconstrucción de la Plaza Constitución; también en la misma ciudad está asistiendo la unidad que desarrolla el proyecto de la costa y el de la residencia universitaria, basándose en plantas nativas y materiales sustentables; así como en varios proyectos comerciales de edificios y parquización privada.
Anastasia profundiza en Paisajismo que es su es su gran pasión y está en constante formación e investigación sobre esta industria tan amplia del design.
“Al integrar elementos interpretativos y de sensibilización en los diseños, se logra inspirar a las personas a valorar y cuidar el medio ambiente, fomentando la cultura sostenible y el respeto por el cuidado de la tierra en la que vivimos.”

CURSOS. Requisitos, variedad de y características.
Contar con iPad para la aplicación Procréate
Cursos de formación visual, renders, canteros, formación completa. Individuales o de hasta 3 personas
Clases pregrabadas con acceso hasta 1 año. Se pueden ver en cualquier momento y al ritmo de cada uno desde la página web.
Asesoramiento Personalizado y Feedback de Anastasia
Bloques y paquetes
La carga horaria semanal, los horarios, la metodología y el enfoque se adaptarán completamente a las necesidades específicas de cada taller, alumno o grupo.

“Como proyectistas somos agentes de cambio, con la capacidad de convertir diseños en verdaderos oasis de biodiversidad y sostenibilidad. De esta manera podemos dejar una huella positiva en el mundo que nos rodea”

Anastasia es creadora y mentora de la técnica más trendy para la presentación de proyectos de diseños.

Santiago de la Cruz. Pianista

Santiago de la Cruz. Pianista

Joven pianista uruguayo en el reconocido Conservatorio Liceu de Barcelona, España.

Nació en Montevideo el 12/08/2000, hijo de Laura Martínez y Cacho de la Cruz, dos grandes artistas. Recuerda que a los 6 años cuando sus padres se separan, surge su fascinación y curiosidad por la música.
Su padre, músico, toca el trombón, formó parte de una banda llamada “Los Hot Blowers” junto con Rubén Rada, Federico García Vigil, Hugo y Osvaldo Fatorusso, Guillermo Facal (argentino) y otros virtuosos. De ellos, a quienes tuvo el placer de conocer y con los que mantenía sustanciales charlas (aunque era muy pequeño) germina su inquietud hacia los sonidos, instrumentos y curiosidad por la melodía.
Compartía tiempo sólo con su padre quien le enseñaba distintos compositores e intérpretes del Dixieland, un estilo de jazz, género hot, caliente donde predominan los instrumentos de metal (trompetas, trombones, tuba, bango), considerable polifonía e improvisación. Escuchaban autores como Jack Pigarden, Edith Condon Luis Prima, Glenn Miller, Luis Armstrong, Sinatra, y otros tantos increíbles. Su hermano Rodrigo (baterista) también formó una banda llamada La Menfis que tocaba el mismo estilo. Así es que para Santi era corriente esta variedad, el Dixieland ya desde el primer año escolar, germinando en él su amor por la música.
A los 8 años empieza a tocar el piano y tomó clases por 2 años, pero luego deja porque quería divertirse y jugar como todo niño.
A los 16 retoma y vuelve a tocar, pero se inclina por la música clásica conociendo un mundo inmenso que considera, se puede relacionar también con el dixieland por la polifonía (sobre todo en Bach), el entrelazamiento de las melodías e instrumentos que forman una unidad, distintas variaciones que con el tiempo van conectando.
Estudia con Alberto Magnone, leía partituras de Bach y Beethoven y pasaba horas improvisando lo que sigue haciendo actualmente. Si bien tiene muchísimo repertorio que preparar, cree firmemente que hay que trabajar la creatividad, hacer música y arte puro en el momento.
A los 16 ensaya con Laura De Armas clavicinista, indagando en música barroca, crece su amor por Bach, su preferido en cuanto a su obra integral general.

“La mayoría de los compositores aprenden de Bach“

En piano su favorito es Robert Schumann, aunque reconoce que el mejor compositor es Frederick Chopin; Beethoven es increíble, Clara Schumann muy buena y hay muchos grosos más.
Con el tiempo y la cantidad de horas de practica (mínimo 5 o 6 al día como todos los músicos) decide continuar su formación en el exterior.
Actualmente está radicado en España estudiando piano clásico en el Conservatorio Liceu, en Barcelona, vive en una residencia estudiantil, está enfocado en salvar sus exámenes y terminar el repertorio que allí le dan.
Expresa que su objetivo a largo plazo es el estudio de grabación, los conciertos y hacer música de cámara.
A nivel personal le gustaría concebir las Variaciones Goldberg de Juan Sebastián Bach, una de sus obras preferidas; el Arte de la Fuga, los estudios de Chopin, Kreisleriana y Kinderszenen piezas de Schumann. Cuando retorne a Uruguay anhela dar conciertos y reconectar con los maravillosos músicos clásicos que tiene nuestro país.
Se cuestiona y considera interesante pensar hacia dónde va la música clásica con la inteligencia artificial, interpelando si afectará a nivel compositivo, si quitará creatividad o simplemente será una herramienta si las nuevas generaciones van a conocer y escuchar música clásica.
Santiago de 24 años, bajo perfil, afectuoso, amable y cordial cursa su master en España en busca de nuevos horizontes para desarrollar su pasión como pianista y concertista; joven artista que perfila para “tomar la batuta” de la música clásica en Uruguay.

Lelen Ruete

Lelen Ruete

El Tiempo es Arte

“El éxito llega cuando uno logra sintonizar con la intuición y seguir una pasión. Mi obra artística expresa temas presentes y actuales en nuestra cultura, inspirada en el contexto social del momento”

Conocimos a Lelen en Punta del Este el verano del 2017.
Realizó dos grandes producciones fotográficas para siguientes ediciones de Vida Litoral.
Fotógrafa, Productora FreeLancer, Directora Creativa y Profesora de Arte. Nació y estudió en Bs As. Creó The Rabbit Studio, formando un equipo con talentosos profesionales. En el 2016 se radica en Montevideo. Trabaja y remite a todo el mundo. Realiza branding creativo con base en Argentina y Uruguay. Desarrolla identidades de marca fuertes y distintas, basadas en la investigación y la innovación.
Encantada por la luz, apasionada con la vida del fotógrafo, vive muchas vidas en una. Un día es parte del mundo de las Plantas, otro está en el universo de la Moda, al siguiente desarrollando Catálogo de Productos, retratando editoriales para revistas internacionales, marcas o clientes privados.

Algunas obras y producciones actuales

LIBRE
Muestra que actualmente está preparando. Es una reflexión sobre la naturaleza humana y la capacidad de las personas para florecer y crecer sin tasas, en un mundo complejo y en constante cambio. La exhibición invita a la audiencia a cuestionar sus propias prohibiciones y a explorar como promover una sociedad inclusiva y justa, explorando la libertad, diversidad, la aceptación y el poder del amor, abrazando nuestra verdadera esencia. LIBRE desafia las normas sociales y promueve un futuro más equitativo.

LINEA DE PAÑUELOS
Elegantes, cool y light fashion. Compuestos de seda suave, o tela de viscosa impresos con una obra de arte. Envíos a todas partes del mundo. Ver en la web lelenruete.com/shop

FOTOS DE PRODUCTOS
-Boquillas de vidrio soplado confeccionadas artesanalmente por una sopladora de vidrio de New York, que las vende en todo EUA.
-ZL, es una marca mayorista de Miami, este cliente envió la ropa y el trabajo se realizó a través de The Rabbit: incluyó creación del concepto de campaña y desarrollo audiovisual completo: Producción, Styling, Arte, Videos y Fotos (las mismas aún no salieron al mercado)

Catálogo de Joyas
Producción fotográfica de joyas para ZORRILLA Subastas, tienda de anticuario clásica en Montevideo, reconocida por sus subastas de Catálogo, siendo líderes y pioneros en Uruguay con puja on line y alcance global.
Conocida por su trabajo, en el 2018 fue invitada a fotografiar las muestras de Copa Canguro. Luego se asoció como Productora ya que The Rabbit Studio también realiza eventos. Realizo 2 muestras grandes relacionadas al Cannabis incorporando una nueva estética a esa industria que estaba estigmatizada;

Herbarium -2019
Una oda a la planta, basada en el nuevo concepto de productos y marcas que desarrollan otro branding; incorpora elegancia, nuevos colores, y una modelo para hacer contacto visual. El centro es la piel, la vida, la belleza y la naturaleza,

Magia – 2020
Inspirada en la figura de Marie Laveau, reina vodoo de New Orleans que posee una víbora de mascota. La muestra habla del asombro, el misterio, y la seducción desde una perspectiva sugerente. Expresa el poder femenino representando a Marie Laveau, Seshat (diosa egipcia) y la mujer actual, como bruja moderna. Introduce nueva información, surge la planta macho en pleno vigor tirando polen, las plantas hembras florecidas pegajosas, personaliza la lujuria con una estética “weed porn”. Representa a diosas y mujeres que fueron poderosas relacionadas a las plantas y a las víboras en la historia, en la mitología y en la religión.
Este año Lelen seguirá trabajando con su muestra LIBRE, con nuevos clientes, siempre abierta a distintos mercados y propuestas. En febrero expondrá en Campo Garzón, Maldonado una serie de plantas que viajan.
Siguen los pañuelos y la venta de obras. Y también se dedicará a la enseñanza que es su pasión. Impartirá clases de Iluminación Avanzada formando grupos a pedido y según lo que el público necesite. Los que estén interesados pueden escribirle y contactarla para conocer más.
Es los últimos años Lelen se ha convertido en una brillante narradora visual y de las más prominentes figuras de la fotografía en América Latina.

URUGUAY. Un pequeño gran país

URUGUAY. Un pequeño gran país

Muestra fotografica del artista Marcelo Cattani.

Muestra Fotográfica 2023, obra de Marcelo Cattani, uruguayo, del Litoral (oriundo y residente del departamento de Salto), fiel colaborador de este medio, A través de su lente, el artista construye una obra fiel que instiga a conocer Uruguay con su producción de imágenes. Cattani estampa la belleza de paisajes naturales, retratando la esencia de su gente, sus costumbres y tradiciones. Estimula a descubrir su terruño a través de un Lenguaje Técnico Fotográfico, producto de su capacidad de observación, agudeza visual y años de arduo trabajo.
Enseña, a través de su obra, un territorio vibrante, joven, trabajador, donde convive lo rural y urbano, personas y personajes, belleza naturales, y las creadas por el hombre.
Muestra que consta de 30 fotografías, inaugurada por el Embajador Uruguayo Profesor Luis Hierro López. Julio 2023 –Lima –Perú.
Este 2024 en el marco del 65 aniversario de Amistad Parlamentaria entre Uruguay y China, la Embajada de la República Oriental del Uruguay en China expondrá esta muestra junto cuyo lanzamiento está a cargo y es acompañada de a la Conferencia “Uruguay: un pequeño gran país ”, por la Antropóloga y Gestora Cultural uruguaya Patricia Laines Martínez
Egresada de la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación, Udelar 1996 y de CLAEH Universidad de la Cultura) en 2021, Diplomada en Patrimonio Funerario y Diplomada en Arte virreinal Barroco por la UNAM, 2021 y 2022. Ha realizado varias investigaciones:” Murgas”, publicación “La mujer en la Murga” FHyCE 1996. Muestra fotográfica en Udelar 1997, y biblioteca Municipal de Salto “Felisa Lisasola”, sobre La mujer en la Murga. “Inmigrantes”, especialmente en el área del Patrimonio Funerario, sus trabajos han sido expuestos en Montevideo Museo Figari “El Sendero Sensible” 2017. En Málaga 2018 “Juntos a la Eternidad: los inmigrantes y la muerte”. En 2019 Paysandú, Museo Histórico en el Encuentro Iberoamericano de Patrimonio Funerario, muestra fotográfica sobre Patrimonio Funerario. En 2022, en Lima Encuentro Iberoamericano de Cementerios Patrimoniales investigación “Los héroes y la Masonería: El panteón de Lucas Píriz, héroe caído en la defensa de Paysandú”. En 2005 “Indios del Uruguay”, investigación sobre “Minuanes, Charrúas y Guenoas”, Udelar Fac. Humanidades y Ciencias de la Educación (FHyCE). En 2020 “Oficios y tradiciones uruguayas”, en Anuario de publicaciones sobre Ruralidad, Udelar Con sus charlas sobre el Uruguay profundo y la ruralidad uruguaya junto a el legado de los inmigrantes e importancia en la conformación de nuestro país, acompaña la muestra fotográfica de Marcelo Cattani, con la charla titulada “URUGUAY: un pequeño gran país”.

Dicen que “Los Ojos son el Espejo del Alma”, miremos con los ojos de Patricia y Marcelo y seguro nos conmoveremos.
Marcela Pagani Gavirondo.

Clown

Clown

Esencia y autenticidad como camino.

El despertar del clown en la presencia
Reímos para mejorar el ánimo. La risa no es un objetivo, sino un medio que lleva la idea al entendimiento. Riendo se corrigen las costumbres¨. Karandash
Los payasos más antiguos que se conocen datan de la Quinta Dinastía de Egipto, 2400 a. C. Desempeñaban un papel socio-religioso y psicológico. La palabra Clown del anglosajón se registró por primera vez c. 1560 (como clowne, cloyne) en el sentido genérico rústico, boor patán, campesino.
Stephanie Latecki (Paysandú, Uruguay, 1992).
Mujer, madre y amiga. ArteSana, Cocinera, Acompañante Educativo- Lúdico – Artístico–Deportivo en infancias de temprana edad. Terapeuta Gestáltica, Actriz y Clown.
En esta entrevista, Stephanie nos comparte su saber, experiencia, y formación en la técnica Clown. Cuenta que post adolescencia (23 a), luego de haber vivido situaciones complejas, decide iniciar una etapa de cambio, de búsqueda de sí misma, de encuentro con su verdad interior y con el vivir la vida con placer. Cautivada por educaciones alternativas para la crianza de su amada hija Arami, desde la Escuela Waldford, recibe la invitación en el 2016 de parte de una madre –compañera, Daniela Viento (Docente de Clown,uruguaya ) para participar como alumna/paciente en sus primeros talleres, formaciones y procesos terapéuticos. Más adelante continuó su aprendizaje como Autodidacta y junto a otros maestros elegidos como Marina Barbera (argentina), y recientemente Alain Vigneau (francés) con quien ha abordado sus enseñanzas en México- 2023.

Concepto
El Clown es un camino sanador y transformador de autodescubrimiento, a través del arte.Es un ejercicio de transparencia constante de relación con uno mismo, habitar desde la esencia, vivir el aquí y ahora, desde la presencia, aceptarnos tal cual somos y ofrendar-nos al mundo.
Por tanto, es preciso hacer un entrenamiento guiado por un FACILITADOR, en el que se practican diferentes herramientas y técnicas que inducen al ESTADO del Clown, a la puesta en escena.
Ejercicios de escucha interior, meditaciones, trabajos de reconocimiento y contacto, de emociones, con el cuerpo en movimiento y diferentes ritmos. En dúos, triada y/o en equipo, facilitando la escucha, el vínculo, el uso de cualidades y potencialidades. Juegos. Creatividad. Relacionamiento con diferentes elementos, vestuarios y espacios. Trabajos de vínculo y mirada. El conflicto es una herramienta fundamental para encontrar al clown, debe ser interno, intenso y movilizador.
Los recursos pedagógicos y terapéuticos del clown están dirigidos al encuentro con uno mismo sanando la infancia y los bloqueos en pro de una mejor versión existencial.

Ser Clown significa estar Clown.
Percibir, sentir, accionar y relacionarse desde un ESTADO PAYASO, que consiste en estar contigo mismo, tendiendo un puente hacia los demás a través de la mirada.
Jesús Jara
El clown no es un personaje o un estilo, es un lenguaje. Posibilita el diálogo con otras disciplinas escénicas.

Elementos claves en el Universo Clown:
La mirada, la torpeza, la libertad, la espontaneidad, el humor, el juego, la comunicación, la verdad, se convierten en recursos que al implementarse en el ámbito EDUCATIVO favorecen las habilidades creativas personales, ofrecen la posibilidad de ver el mundo desde la lógica del juego y el amor por lo que se hace, y vivir «AQUÍ Y AHORA».
Está comprobado que el Clown propicia satisfactoriamente la aprehensión de conceptos teóricos y prácticos, permitiendo la integración, favoreciendo el aprendizaje y mejorando las relaciones humanas. En la educación ofrece herramientas desde la Pedagogía del humor y del placer con tácticas que demuestran interés en las emociones humanas, sensibilizando los métodos formativos aceptando la realidad de cada individuo y procurando educar permitiendo el intercambio bidireccional de conocimientos y emociones. El humor consigue mejorar y agilizar los procesos cognitivos porque motiva al saber, desarrolla la capacidad de memorizar, permite realizar las tareas desde una actitud positiva. En lo social, genera ambientes constructivos, en pro de formar seres pacientes y tolerantes, permite el debate sin conflicto y la aceptación de otros puntos de vista. Evidencia la importancia del juego y la risa mejorando la comunicación, evitando estados de depresión y/o rebeldía, amortiguando los fracasos que se presenten en el proceso didáctico.
Ser Clown es poder reconocer la torpeza humana, y jugar con ella sin juzgar, para aceptarla y dejarnos transformar. Es ser un reflejo de la humanidad. Aunque el mundo sabe que es tonto, pero se siente mejor, porque cree que el clown es más tonto.
Es ser un EXPERTO NAVEGANTE de tus emociones, en afrontar ¨conflictos¨ con inteligencia emocional, convirtiendo lo ordinario en extraordinario.
El Clown puede ayudarte a ser autentico, estar presente, liberarte de los juicios, amar tu cuerpo, aceptar tus sombras, cultivar tu confianza y autoestima, verte en espejo y reconocerte, librar tu derecho a sentir, ser coherente, encontrar una forma de expresión y comunicación directa y sincera, mirar con el alma, trabajar y aprender en comunión, en equipo, ser generoso, reconquistar tu pertenencia. Un Clown sabe lo que quiere, y está atento a su entorno, y lo que el mundo quiere de si, responde con autenticidad, placer y presencia. Despertando el imaginario y la creatividad. Puede ayudarte a ser la mejor versión de ti mismo.

Stephanie Latecki Almozara
E-mail: stephanie.latecki@gmail.com
Consultar por Talleres Vivenciales,
Formativos o Terapéuticos
Contacto: +598 091 689 311

Mario d’Amico Holzmann

Mario d’Amico Holzmann

Organero especializado en armonización

Aun humeaba la Catedral de Notre Dame y el mundo se unía para salvar el órgano
más importante de Francia.
El director del equipo encargado de tan magna obra de restauración, es sanducero.

El 15 de abril de 2019 en el incendio de la Catedral de Notre Dame, el majestuoso órgano de Francia que data de 1733, se salvó del fuego pero quedo cubierto de polvo de plomo. Era necesario y urgente desmontarlo por el riesgo de derrumbe de la catedral.
El concurso público para la restauración lo ganó un año después el taller de Pascal Quoirin (dirigido desde 2018 por Mario d’ Amico)

LA RESTAURACIÓN
Desmontaje / Almacenamiento / Restauración
La primer tarea fue el desmontaje de 8.000 tubos repartidos en 115 registros, para su limpieza y restauración. Esta operación se realizó en un tiempo record de 3 meses, con 11 personas, bajo estrictos protocolos y sistemas de seguridad especiales ya que había peligro de derrumbe, llevo un año asegurar la catedral.
Respecto al almacenamiento, se organizó, en cajas que se usan en los museos para trasladar obras de arte. El desmontaje y traslado de los mecanismos, ocuparon 3 conteiners de 40 pies y un semirremolque. El mueble que data de 1733 y los grandes tubos de fachada que miden más de 11 mts quedaron en sitio y se trabajó allí. La restauración se llevó a cabo durante el 2022 en 4 talleres de organeria de los más importantes de Francia, intervinieron unas 30 personas. Las tareas se realizaron con técnicas y materiales “a la antigua”, como la cola caliente de colágeno, y cuero de animales crecidos en libertad. La tubería fue inspeccionada y corregida una a una, el mueble tratado con antixilófagos y el “Faux Bois” (pintura estilo madera del S. XVIII Y XIX) del exterior del órgano se pintó reproduciendo el original.
En este momento se procede al remontaje y armonización, que estará concluido este año.
Todo sigue dentro del plan inicial que es terminar para que el órgano vuelva a sonar en diciembre del 2024.

“Es una responsabilidad enorme y una gran emoción estar al frente de tan magna obra”

DE PAYSANDU A NOTRE DAME
Nació el 17 de enero de 1979 (43 a) en Paysandú y actualmente vive en Mazan un pueblito en el sur de Francia.
Su fascinación por la música nace cuando tenía 9 años, la primera vez que escuchó el órgano de la Basílica de Paysandú, su ciudad natal, en un concierto de Cristina García Banegas, (organista uruguaya, directora de orquesta y coro, profesora formada por grandes maestros europeos). La magia de esa música despertó su verdadera pasión. “Cristina es mi diva y mi musa».
“Cuando tenía 11 años vi en la prensa un artículo que hacía referencia al órgano de Notre Dame de París al que se le había instalado computadoras que comandaban su funcionamiento técnico. Para esa época -1991- era algo nuevo, sugestivo y fue lo que despertó en mí el interés por lo técnico de los instrumentos y el pensar en dedicarme a esto.”
En 1996 llegaron unos técnicos alemanes a examinar el órgano de Paysandú para su mantenimiento, y Mario se sumó al equipo. A continuación viajó con ellos a Alemania donde estaban construyendo un órgano para la radio de Pekín. Luego fue a España a colaborar en la construcción del órgano de la Catedral de Bruselas (1999) como aprendiz del maestro Gerhard Grenzing, y permaneció con él 20 años, hasta que Pascal Quoirin le ofreció la dirección de su taller en Francia (2018).

“Cristina es mi diva y mi musa».

En los 25 años que lleva en Europa, Mario ha trabajado con los maestros, músicos e instrumentos más trascendentes del mundo, desde órganos barrocos noralemanes a iberoamericanos hasta los más nuevos con tecnología actual. El más antiguo data de 1450, el más importante es el de Notre Dame; pero hay una lista enorme como la Catedral de Bruselas, el Palacio Real de Madrid, la Catedral de México, Bogotá, Sevilla, Toledo, que son los más significativos donde ha ejercido el arte de su oficio.

Después de esta labor tan significativa y majestuosa como la actual, cual podría ser tu siguiente desafío?
Después de Notre Dame es difícil pero la vida no para de sorprendernos. Mi objetivo es seguir evolucionando y aprendiendo. Actualmente estoy instalándome en un nuevo país que es Suiza donde hay una tradición muy importante y la organería es de altísimo nivel, de hecho, allí está el órgano más antiguo y uno de los talleres más importantes del mundo que es la casa Kuhn, con más de 170 años de historia. La meta es seguir creciendo abordando nuevos instrumentos e interactuando con otros colegas.

En qué empleas tu tiempo libre?
Ya me gustaría tener tiempo libre, estoy de viaje en viaje y con mucha actividad. Pero siempre intento colaborar con mi país como ayudar con el órgano de Colonia o mantener el órgano de la Basílica Nuestra Señora del Rosario, de Paysandú, que me hace muchísima ilusión.

“Cada órgano es una pieza única, una obra de arte, una escultura sonora, y nunca debe restaurarse si no se tienen los medios técnicos y económicos para garantizar un trabajo en condiciones.Cada instrumento es concebido para un determinado repertorio musical y durante la fase de armonización se trabaja adaptándolo a la acústica del edificio donde es instalado. La armonización musical de un órgano es un trabajo artístico pero siempre respetuoso de la tradición.»
Órgano de la Basílica de Paysandú, instrumento de 1906 fabricado por la firma alemana Walckler y Cía., ocupa una superficie de 24 mts2, conformado por 1.200 tubos de diferente tamaño y material pesa alrededor de tres toneladas. Posee una sonoridad post-romántica típica de época, pero permite gran variedad de repertorio. Es de los más bellos instrumentos del país.
Hay en Uruguay un órgano hermano menor del órgano de Coro de Notre Dame, hecho en Lyon en el siglo XIX proveniente del mismo fabricante, en la, Parroquia San Miguel Garicoits (Los Vascos) ubicada en el centro de Montevideo–Plaza del Entrevero. Es sin duda el más importante del país.En 1985 fue desmontado para reparar el muro del recinto y no se tuvo en cuenta el costo y complejidad de la tarea, quedó allí desarmado, en estado de abandono, lo que ha ocurrido en otros casos como en la Basilica del Carmen, Iglesia de la Aguada.

Características del Oficio
El arte del organero comprende oficios como herrería, carpintería, talabartería, soldadura y armonización musical (actualmente parte de este trabajo se desarrolla en computadoras aplicando diseño técnico y electrónico)

Materiales que se utilizan
Maderas nobles, tubos mezclas de estaño y plomo, fuelles de cuero, en instrumentos contemporáneos también electrónica. Existen fábricas de piezas, pero todavía hay muchos talleres donde se trabaja de forma artesanal con técnicas milenarias.

EDUARDO BOLIOLI

EDUARDO BOLIOLI

Arte sobre Tablas

Nace en Montevideo (1961). A fines de los 70 se instala en Nueva York y estudia en la Escuela de Artes Visuales. En los 80, su pasión por el surf lo lleva a radicarse en Honolulú, pintó tablas para profesionales, incluidos los campeones mundiales (Shaun Tomson, Sunny García y Martin Potter)
Fue director de arte en Blue Hawaii Surf y Local Motion, diseñó para Quiksilver, Billabong y Gotcha en Honolulú y Tokio. Creó carteles para conciertos de Miles Davis, UB40, Aerosmith y Seinfeld.
Absolut Vodka lo elige para su campaña en Hawai (1991), de la que queda una litografía de edición limitada. En 1993 esta marca le pide una pintura para el anuncio de Absolut Uruguay, que regrese a su país natal y se convierta en el vocero de la campaña. Dejó su oficio por 2 décadas y trabajó como vendedor y asistente de marketing para Seagrams, que distribuía Absolut.
En 2014 decide volver a Honolulú, retoma la pintura y logra rápidamente el reconocimiento de la elite del Surf Art.
Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Nueva York, Los Ángeles, Honolulú, Tokio, Seattle, Kona, Escocia, Caracas, Lima, Bogotá, Quito, Uruguay, Miami, San Francisco y Nueva Jersey,
En 2021 apuesta con sus recursos económicos a retratar los surfistas de EE. UU (disciplina que debuta en los Juegos Olímpicos). Esta exhibición es adquirida por Outrigger Hotels. La placa permanente se dio a conocer en diciembre del 2022. La apuesta dio sus frutos y la misma firma le encargó recientemente una nueva tabla para que la gente pueda posar y sacarse selfies con ella.
Comienza el 2023 inaugurando La Galería Aesthetics en Kailualo, con su obra, gran reconocimiento al ser la mejor de todo el estado en tamaño y estética.
Es convocado por los grandes hoteles de Hawai, El Salvador (invitado por el ministerio de turismo para promover el surfing) y esto lo lleva a otras partes del mundo como Tokio, Taití donde realizará muestras en el correr del año.
Eduardo está muy ocupado en la producción de tablas y quillas por la gran demanda, orientado a utilizar madera por un tema ecológico, y enfocado en mejorar la calidad y nivel de su obra, de la cual felizmente puede vivir como ha sido su meta
Este verano no podrá estar en José Ignacio, porque tiene varias muestras en Hawai, pero promete venir la próxima temporada y presentar en Los Caracoles sus últimas y espectaculares producciones.

Premios recibidos
-Aloha de la Sociedad HACER(1992)
– Estímulo en la Bienal de Mosca (Uruguay 1995)
-Premiere en Les Embiez, Francia.
-Premio de Oro a la Cultura (Montevideo, Uruguay)
Sus piezas Absolut forman parte del Museo Absolut en Suecia.

@eduardobolioli
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Pablo Atchugarry

Pablo Atchugarry

“Todos podemos ser artistas si conservamos el niño que vive en nosotros”
“We can all be artists if we keep our inner child”

Atchugarry nace en Montevideo, Uruguay, el 23 agosto de 1954.Sus padres, María Cristina Bonomi y Pedro Atchugarry Rizzo, grandes amantes del arte, advierten pronto el interés y el talento artístico de Pablo y desde niño lo alientan a seguir ese camino. De formación autodidacta, su gran maestro fue Pedro su padre, y sus corrientes de interés artístico más importantes van desde la escultura de las Cyclades, el Renacimiento, Donatello, Brancusi, Henry Moore, Jean Arp.
En sus primeras obras, el artista se expresa a través de la pintura, pero gradualmente irá descubriendo otros materiales como el cemento, el hierro, la madera y el mármol.
A finales de los años setenta, tras haber participado en una serie de exposiciones colectivas en Montevideo, Buenos Aires, Puerto Alegre y Brasilia, Pablo Atchugarry realiza varios viajes a España, Francia e Italia, para estudiar y profundizar sus conocimientos y técnicas artísticas.
En Lecco (Italia) realiza en 1978 su primera exposición personal. Más adelante expondrá sus pinturas en ciudades como Milán, Copenhague, París, Coira, Bérgamo y Estocolmo.
En 1979, tras experimentar con diferentes materiales, descubre la extraordinaria elegancia del mármol y trabaja en Carrara en su primera escultura, titulada La Lumière. En 1982 realiza un primer proyecto monumental en mármol de Carrara; en ese mismo año se establece definitivamente en Lecco y comienza a esculpir La Pietà en un único bloque de mármol de 12 toneladas. En 1987 realiza su primera exposición individual de esculturas en Milán, en la Cripta del Bramantino, comisariada por Raffaele de Grada.
En 1999 el artista inaugura el Museo Pablo Atchugarry, que alberga trabajos creados a lo largo de su carrera junto con la documentación bibliográfica y el archivo de toda su obra. A comienzos del año 2007 abre la Fundación Pablo Atchugarry en Manantiales (Uruguay), con el objetivo de promocionar y crear un lugar de encuentro para artistas de todas las disciplinas, un sitio de unión ideal entre el arte y la naturaleza.
“Me interesa mucho la conexión del ser humano con la naturaleza y el cosmos”
En enero de este año realiza una de las aperturas culturales más comentadas en América Latina, el MACA, primer museo de arte contemporáneo de Uruguay.
Actualmente está realizando una exposición en la ciudad de Lucca en Italia (Toscana), de una serie de esculturas en madera, donde ha dado nueva vida a árboles seculares que se han secado y que a través del arte inician un nuevo recorrido.
La misma se inauguró el 4 de junio y podrá visitarse hasta el 4 de septiembre en el Palazzo delle Esposizioni di Lucca, con entrada gratuita.
Hoy por hoy Atchugarry vive y trabaja entre Lecco (Italia) y Manantiales (Uruguay), donde ocupa parte de su tiempo en el desarrollo de MACA, su Fundación, el Parque Internacional de Esculturas Monumentales y la enseñanza y divulgación del arte.

“Que los sueños sean altos, grandes y generosos”